「Study of Dansaekhwa」- アートフロントギャラリー（東京）

水戸部七絵の単色画研究

日本の若手画家である**水戸部七絵（みとべ ななえ）**は、日本国内ではすでに広く知られた存在だが、韓国のキュレーターである私は、勤務先のヨンウン美術館のレジデンス・プログラムを通じて初めて彼女とその作品に出会った。作家に直接会う前に、まずイメージ資料を通じて作品を見たときの印象は、「本当に独特で個性的、そして感覚的な作品だ」というものだった。また、作家はレジデンス・プログラムに作品を持ち込んではいなかったため、完成作を直接見るよりも先に、彼女宛に届けられる大量の絵の具という“制作材料”を実際に目にすることになった。この経験はキュレーターとして非常に印象深く、彼女の制作プロセスを理解する上で大いに役立った。というのも、水戸部氏が使用する絵の具の重量は、作品のキャンバス自体よりもはるかに重いことが多いからだ。極めて厚みのある表面と、レリーフのような立体的なマチエールは、彼女の作品の代表的な特徴の一つである。

厚塗りの技法を用いるため、作家はグローブをはめた手でボクサーのようにキャンバスへ絵の具を叩きつけたり、筆よりもナイフを多用することで、荒々しく抽象的なタッチを生み出したりする。しかしながら、その表現は決して鈍重ではなく、造形的なセンス、画面構成のバランス、色彩の調和といった点において、作家の生まれ持った才能を一目で感じさせるものである。さらに、彼女の作品をより深く読み解く鍵となるのは、その表層を超えた物語やメッセージにある。長年、顔をモチーフに制作してきた彼女は、外見や肌の色によって生じる問題に対し、一種の抗議のメッセージを込めてきた。また、各国で起こる社会的な問題を作品のテーマとして取り上げることも多い。そんな彼女が今回、韓国滞在中に強く関心を持ったテーマが「単色画（Dansaekhwa）」であった。

単色画とは、韓国現代美術における単色のミニマルな抽象絵画を指す言葉で、2012年以降、韓国語の「단색화」と英語の「Dansaekhwa」が併用されるようになった。この単色画において重要視される「物質性」と「行為性」は、水戸部氏の制作においても重要な要素であり、彼女はより詳細にこれを自身の作品と照らし合わせ、研究を深めることを目的に、ヨンウン美術館のレジデンス期間中、制作と展示のテーマとして取り上げた。韓国で制作したキャンバスには、モノクロームを基調とした抽象的な人物やオブジェを描き、単色画からのインスピレーションをもとにした形式的な実験を試みた。また、それだけでなく、東アジアの作家として「単色画は西洋の模倣ではないか」とする一部の意見に対して疑問を投げかけることも意図していた。

3か月間のレジデンス・プログラムを終え、日本へ帰国した水戸部氏は、今年3月に東京で開催予定の個展に向け、韓国での制作とはまた異なる解釈の単色画作品を制作し、本展で発表する予定である。一方、2025年2月現在、ソウルのアートソンジェセンターでは、単色画の代表的作家である**河鍾賢（ハ・ジョンヒョン）**の初期作品を振り返る展覧会「Ha Chong-Hyun 5975」が開催されており、4月まで続く。この展覧会を訪れた私は、東京での水戸部氏の作品を思い浮かべずにはいられなかった。韓国と日本という物理的な距離の問題から、彼女の最新作を直接見ることはできず、イメージ資料でしか接していなかったが、50年以上前に制作された河鍾賢の作品を目の前にしながら、その実際の質感を想像していたのだ。一見すると両者の作品は異なる印象を持つが、河鍾賢の「背面法（キャンバスの裏から絵の具を押し出し、物質性を強調する技法）」が生み出す質感には、水戸部氏の作品を鑑賞した際に感じる感覚と明確な共通点があるように思えた。

さらに、今回の河鍾賢展では、1959年の大学卒業から、代表的シリーズ「接合（Conjunction）」が誕生した直後の1975年までの作品が、4つの時期に分けて紹介されている。戦後の混乱、都市化といった社会的背景とどのように相互作用しながら作風が発展していったのかを振り返る構成となっており、その内容は、常に世界の社会問題と向き合いながら変化し続ける水戸部氏の制作姿勢を改めて想起させるものであった。

今後、水戸部七絵の作品はどのように変化し、発展していくのだろうか。私はこれからも期待を抱きながら見守っていきたい。そして、彼女が取り上げる社会的なテーマについても、同じ美術関係者として、また同じ東アジアの美術に携わる者として、引き続き注視していくつもりである。

テキスト：崔 貞姫（ヨンウン美術館 学芸室長）
Text: Choi, Junghee / Chief Curator, Youngeun Museum of Contemporary Art
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Artist Statement

韓国のレジデンスに参加していたものの、特に能動的な意義を見出せずにいた。
底冷えのするスタジオで、日本にいる友人と韓国について話していた。その会話の中で、彼は「単色画」というものが韓国にはあると言った。
「単色画」が盛んに描かれた頃と今では、時代も、社会状況も、アートをめぐる環境もまるで違う。しかし、偶然にも出会ってしまった「単色画」は、私を強く惹きつけた。
私の作品は、常に「過剰さ」に満ちている。それとは対極にあるはずの「単色画」が、なぜこれほどまでに魅力的に感じられるのか。
キャンバスを単なる支持体ではなく、行為そのものとして捉える姿勢。絵画が身体の延長として存在しうるあり方。それらに深い共感を覚えた。さらに、その洗練されたストイシズムや宗教的な精神性は、「過剰さ」に埋もれていた私にとって、新たな可能性の扉を開くもののように思えた。
「単色画」が軍事政権下で、自由を抑圧されるなかで生まれたという事実にも、強く心を引かれた。
厳格な家庭で育った私は、親の目や言葉に敏感な子どもだった。常に何かに怯えていたように思う。しかし、絵を描いているときだけは褒められ、自分が存在する確信のようなものを感じることができた。もしかすると、あの頃の私にとって、絵を描くことは唯一の自由を得る手段だった。
しかし今、画家として生きている私の中では「過剰さ」が抑圧として作用するようになってしまったかもしれない。画家である私に「過剰さ」が求められていることが自分自身でわかってしまうからこそ、その期待に応えようとしてしまう。それは知らず知らずのうちに、私を解き放つものから、縛り付けるものに変わってしまったのではないか。結局、私はあの頃と何も変わっていないのかもしれない。
私の中にある抑圧と、それに対する抵抗。それを、これまでのように「過剰さ」で塗り込めるのではなく、異なる方法で希望を見出すことができるのかもしれない。
単色画によって。